Name: Louise Rossiter
Wo wohnst und lebst du: Ursprünglich war ich in Schottland ansässig, und dort habe ich meinen Bachelor und Master abgeschlossen. Jetzt lebe ich in Leicester und promoviere am Forschungszentrum für Musik, Technologie und Innovation an der Universität De Montfort.
Persönliche Website: www.louiserossiter.com
Bevorzugte Umwandlungstechniken
– Chorus
– Delay
– Filter
– Granulation
– Panning
– Reverb
-Transposition
Wie würdest du die Art von Musik beschreiben, die du machst?
Ich komponiere hauptsächlich akusmatische Musik, die ich dann über mehrere Lautsprecher verteile. Ziemlich oft beschäftigt sich mein Stück mit dem Klang eines bestimmten Ortes, obwohl ich mich in letzter Zeit davon entfernt habe und das Potential der einzelnen Klangarten wirklich erkunde.
Wenn du die Genre-Kategorien benutzen müsstest, um deine Musik zu beschreiben, welche wären das?
Elektroakustisch
Klanglandschaft
Welche Arten von Sounds benutzt du gerne, wenn du komponierst?
Das hängt wirklich von der Art des Stückes ab, das ich komponiere und warum. Wenn ich zum Beispiel vor kurzem an einen interessanten Ort gereist bin, an dem ich noch nie zuvor war, nehme ich eher Klänge auf, die ich während meines Aufenthalts aufnehme. So habe ich zum Beispiel kürzlich ein Stück fertig gestellt, das auf einer Reise nach Peking, Xi’an und Chengdu in China basiert. In diesem Stück benutzte ich eine Vielzahl von Klängen aus verschiedenen Gründen – von der chinesischen Nationalhymne, weil wir sie in Großbritannien nicht oft hören, über den Klang von Fahrrädern in hutongs (kleinen Straßen) bis hin zu Tempelgesängen, Pandarufen, bis hin zu einem alten Instrument namens Xun, das ‚Auld Lang Syne‘ spielt und offensichtlich bei mir als Schotte einen Akkord angeschlagen hat. In einem Stück, in dem ich einen Ort erkunde, tendiere ich also dazu, Klänge auszusuchen, mit denen ich arbeiten kann, die ich ungewöhnlich finde.
Wenn ich ein abstrakteres Stück mache, suche ich nach Klängen, die das meiste Potential haben, wenn ich mit ihnen im Studio arbeite. Manchmal suche ich Ausgangsklänge aus, die ungewöhnlich sind – ich habe einmal ein Stück namens ‚Black Velvet‘ geschrieben, das aus einer Dose Guinness gemacht wurde – und manchmal aus Gegenständen, die oft in der akusmatischen Musik verwendet werden – wie Glas – in dem Versuch zu sehen, was ich anders machen kann und wie ich aus diesen Originalklängen seltsame und wunderbare Klangwelten machen kann.
Wieso sind diese Sounds deine Lieblingsklänge?
Meistens, weil sie entweder ungewöhnlich sind, oder zu etwas wirklich Ungewöhnlichem manipuliert werden können. Oder, weil sie mich an einen bestimmten Ort erinnern.
Gibt es Klangbearbeitungen, die du oft benutzt?
Wieso benutzt du diese am liebsten?
Ich finde, dass diese Manipulationen es mir erlauben, das Potential der Klänge, mit denen ich arbeite, wirklich zu erkunden. Ich würde es so beschreiben, als ob man die Haut einer Zwiebel zurückschält, da es viele Schichten übereinander gelegt sind, durch die man arbeiten muss. Dasselbe gilt auch für den Klang.
Wie fängst du eine Komposition an oder kommst du auf eine Idee für eine Komposition? Benutzt du selbst jedes Mal einen ähnlichen Ansatz? Oder ist es immer anders?
In letzter Zeit habe ich festgestellt, dass ich bewusst versuche, mich jeder Komposition aus einem anderen Blickwinkel zu nähern. Es hängt wirklich davon ab, was mein Ziel für jede Komposition ist. Wenn es ein Auftragswerk ist, dann muss ich natürlich sicherstellen, dass die Ideen, die ich in dem Stück erforsche, den Anforderungen entsprechen, aber manchmal entscheide ich mich dafür, etwas im Detail zu erforschen, das ich vorher noch nicht wirklich ausprobiert habe. So habe ich zum Beispiel kürzlich ein Stück fertig gestellt, das wirklich Bewegungen, aber auch Klänge im Raum erkundet. Als Komponistin, die sich eher für Textur interessiert, war das eine Herausforderung, aber gleichzeitig half es mir zu erkennen, wie ich mich entwickeln kann und wie ich die Gestik in meinem kompositorischen Stück einsetzen kann.
Welche Komponisten/Musiker sind eine Inspiration für dich?
Händel
Debussy
Sibelius
Rachmaninow
Mahler
Arvo Pärt
Jonty Harrison
Pete Stollery
Francis Dhomont
Gilles Gobeil
Francois Bayle
John Young
Was interessiert dich an dieser Musik so sehr?
John Young
Was ist es an dieser Musik, das dich so sehr beschäftigt?
Ich hatte eine klassische Musikausbildung. Ich absolvierte ein Grundstudium an der Universität von Aberdeen, wo ich hauptsächlich Pianistin, Bratschistin und Schlagzeugerin war, bevor ich die elektroakustische Komposition entdeckte.
Infolgedessen haben Komponisten wie Debussy, Händel, Pärt, Mahler und vor allem Sibelius immer noch einen wirklichen Einfluss auf mich. Die Art und Weise, wie sie durch die Instrumentierung Landschaft konstruieren und wie sie Emotionen vermitteln, ist einfach unglaublich, ebenso wie die Art und Weise, wie ihre Musik einen während des ganzen Stückes beschäftigt.
Was die elektroakustischen Komponisten betrifft, sind die Gründe dafür unterschiedlich. Einige, wie Pete Stollery, sind von der Verwendung wirklich abstrakter Klangobjekte in früheren Stücken zu einer Konzentration auf die Klänge in unserer alltäglichen Umgebung übergegangen und geben Klängen, die sonst möglicherweise im Vorübergehen ignoriert würden, ein anderes Leben. Jonty Harrisons ‚Klang‘ war eines der ersten Stücke elektroakustischer Musik, die ich als Studierende hörte, und als ich es zu schätzen lernte, hat es mich weiterhin beeinflusst. Er hat auch Stücke mit mehr als 70 Lautsprechern gleichzeitig komponiert, was beängstigend ist. Doch trotz der damit verbundenen Komplexität schafft er es immer noch, es durchzuziehen!
Francis Dhomont und Francois Bayle sind wirklich zwei der wichtigsten Pioniere auf diesem Gebiet, und auch sie sind sehr einflussreich. Sie scheinen beide die Fähigkeit zu besitzen, einen Klang zu präsentieren und ihn dann sofort in eine kontrastierende, aber dennoch fesselnde Klangwelt umzuwandeln.
Die Musik von Gilles Gobeil hat mich schon immer fasziniert, da sie sich um mechanische Klänge zu drehen scheint. Oft erkenne ich ähnliche Klänge von einem Stück seines Werkes zum anderen, aber es wird mir nie langweilig! Weil seine Stücke wirklich gestisch sind, macht es wirklich Spaß, sie auch am Mischput zu spielen.
John Young’s Musik ist auch hypnotisierend. Wie bei einer Reihe von Komponisten gibt es immer bestimmte Klänge, die dir Hinweise darauf geben, dass es sich um die Musik eines bestimmten Komponisten handelt, aber eines der Dinge, die mich wirklich faszinieren, ist der Ansatz, wie Young Bewegungen und Klänge mit einer Tonhöhe und Klangmaterial verwendet. Ziemlich oft denke ich, dass ich ein Stück Musik über acht Lautsprechen höre, obwohl es in Wirklichkeit nur zwei Lautsprecher sind.
Könntest du einen kurzen Ausschnitt aus einem deiner eigenen Stücke auswählen und beschreiben, wie du es gemacht hast?
Black Velvet (2010) ist ein sehr frühes Stück von mir, geschrieben am Ende meines Grundstudiums an der Universität von Aberdeen. Es war ein Stück, bei dem ich wirklich angefangen habe, meine eigene kompositorische Stimme zu entdecken, und das als Sprungbrett für viele Stücke gedient hat, die ich seitdem komponiert habe. Ich wurde auch gebeten, das Stück auf BEAST (ein sehr großes Lautsprechersystem) vor Leuten wie Jonty Harrison, Pete Stollery und Adrian Moore zu uraufzuführen, also bin ich wirklich stolz darauf, das getan zu haben!
Black Velvet verwendet eine Guinness-Dose mit einer kleinen Plastikkugel als einzige Klangquellen. Eines der Dinge, die ich immer mache, ist, mit der von mir gewählten Klangquelle bei der Aufnahme zu improvisieren. So habe ich das Öffnen der Dose, das Entweichen des Gases, das Ausgießen der Flüssigkeit, das Klappern der Dose mit der eingebauten Plastikkugel und dann das Zerknittern der Dose aufgenommen.
Dann improvisiere ich wieder mit den Klängen in ProTools und benutze verschiedene Prozesse und Umwandlungen, bis ich neue Klänge mache, die mir wirklich gefallen.
Was wolltest du dem Hörer in diesem Ausschnitt vermitteln?
In ‚Black Velvet‘ wollte ich eine Klangwelt machen, die man möglicherweise in einer riesigen Fabrik hört. Es gibt einen konstanten Puls zu Beginn des Stückes, der wie eine Maschine sein könnte (wahrscheinlich ein direkter Einfluss von Gobeil). Aufregung wird erzeugt, wenn sich die Spannung aufbaut, das Tuckern der ‚Maschinen‘ wird immer schneller und schneller, bis es nicht mehr aufrecht erhalten werden kann, und alles sehr plötzlich zusammenbricht.
Wenn du jemandem, der gerade anfängt, ein Stück zu komponieren, einen allgemeinen Rat geben würdest, welcher wäre das? Was ist das Wichtigste, woran man beim Komponieren denken sollte?
1. Gute Wahl des Klangmaterials…
Ich halte meine Ohren immer offen für neue und interessante Klangobjekte – Dinge, die vielleicht nicht so häufig in akusmatischer Musik zu hören sind.
2. Spielen!
Ich persönlich denke, dass das Spielen ein entscheidender Teil des Kompositionsprozesses ist. Improvisiere mit deinem Klangobjekt – tue Dinge, die du normalerweise nicht tun würdest, und schöpfe es für jeden erdenklichen Klang aus! Ziemlich oft wirst du über die Klänge die dabei herauskommen erstaunt sein. Denke über den Tellerrand hinaus. Nimm alle deine Improvisationen auf. Ich finde, diese Phase der Komposition ist eher wie eine Zwiebel – man schält die Schichten übereinander, um neue Klänge freizulegen, die dann später verwendet werden können.
3. Zuhören…
Mein nächster Schritt ist es, mir das anzuhören, was ich gerade aufgenommen habe – in einem geschlossenen Raum ohne Ablenkungen… reduziertes Hören. Ich schneide jeglichen Müll (Ausschnitte etc.) aus, schreibe aber auch Notizen über die Eigenschaften der Klänge. Sind es gestische Bewegungen? An was erinnern sie mich? Und so weiter. Dann beginne ich damit, die Klangschnipsel zu editieren, die ich unbedingt verwenden möchte. Ich bin sehr wählerisch. Normalerweise nehme ich eventuell ein oder zwei Stunden Material auf, aber am Ende verwende ich fünf Minuten in meinem endgültigen Stück. Allerdings werfe ich nie etwas dauerhaft weg.
4. Komponieren!
Improvisiere mit verschiedenen Programmen und Plugins – es ist wieder diese Suche, aber diesmal mit Plugins und Umwandlungen. Schreibe alles auf – das ist entscheidend. Lege verschiedene Effekte übereinander, ändere die Einstellungen in Echtzeit, tue etwas völlig Verrücktes, das du normalerweise nicht im Traum ausprobieren würdest… Das kann manchmal wirklich interessante Ergebnisse bringen.
5. Führe IMMER… ein Kompositionstagebuch. Du hast keine Ahnung, wann du wieder auf das Rezept für den erstaunlichen Klang zurückgreifen willst, den du vor 3 Jahren gemacht hast.
6. Zuhören (Teil 2)… Höre mit jemand anderem im Studio zu und lerne, kritisch mit deinem eigenen Stück umzugehen. Lass nichts in einem Stück, von dem du denkst, dass es nicht funktioniert.
7. Studio-Etikette… Arbeite sauber… Als ob du zu Hause in der Küche kochen würdest. Nenne alle deine Klänge und notiere sie in deinem Tagebuch. Das erspart dir später Alpträume.
8. Wenn du stecken bleibst…
a. Wirf NIEMALS etwas weg, leg es zur Seite und mach etwas anderes.
b. Höre dir viele andere Stücke von anderen Komponisten an. Sie können dich inspirieren und dir viel beibringen, ohne dass du wie sie klingst.
