Louise Rossiter – Electroacústica, Paisaje Sonoro

Nombre: Louise Rossiter

¿Dónde vives/trabajas: Vengo de Escocia y estudié mi licenciatura y maestría en ese lugar. Ahora radico en Leicester donde estudio un doctorado en el Centro de Investigación para la Música, la Tecnología y la Innovación en la Universidad De Montford.

Sitio Webwww.louiserossiter.com

Transformaciones Favoritas

ChorusBadge – Coro (Chorus)
DelayBadgeRetraso de Audio (Delay)
FilterCombiFiltro
granularSynthCardRegionBadgeSíntesis Granular
PanBadgePaneo
ReverbBadgeReverberación
TransposeBadge -Transposición

¿Por qué estas manipulaciones son tus favoritas?

Encuentro que estas manipulaciones me permiten explorar adecuadamente el potencial de los sonidos con que trabajo. Lo describiría como pelear una cebolla, porque hay muchas capas con que trabajar y crear con sonido es así.

  1. ¿Cómo describirías el tipo de música que haces?

Principalmente, compongo la música acusmática que luego reproduzco con múltiples altavoces. A menudo, mi obra explora el sonido de un lugar en particular, aunque recientemente he empezado a experimentar con el potencial de tipos individuales de sonido.

2. Si tuvieras que utilizar categorías de género para describir tu música, ¿cuál utilizarías?

Paisaje Sonoro, Electroacústica, Gestual

3. ¿Qué tipo de sonidos te gusta utilizar cuando compones?

Depende del tipo de pieza que estoy componiendo y por qué. Por ejemplo, si viajo a un lugar interesante por la primera vez, es muy probable que grabara sonidos durante el viaje. Recientemente terminé una obra que se basa en un viaje a Beijing, Xi´an y Chenhdu en China. En esta pieza utilicé una variedad de sonidos por razones diferentes – desde el himno nacional de China, porque no lo escuchamos mucho en Gran Bretaña hasta los sonidos de las bicis en los hutongs (las calles pequeñas), el canto del templo, los sonidos de los pandas y un instrumento antiguo que se llama el Xun que tocaba Auld Lang Syne (una canción escocesa) que obviamente me llamó la atención porque soy escocesa. Entonces, en una pieza en la que exploro un lugar, tiendo escoger sonidos que son raros.

Si estoy creando una obra más abstracta, busco sonidos que tienen lo más potencial cuando estoy trabajando con ellos en el estudio. A veces escojo fuentes de sonido que son raros (una vez compuse una pieza llamada Black Velvet (Terciopelo Negro) que fue creada con los sonidos de una lata de Guiness) y que provienen de objetos que se utilizan mucho en la música acusmática, como un vaso, para intentar a averiguar lo que puedo hacer diferentemente con ellos y cómo puedo crear mundos sonoros raros y fantásticos con estos sonidos originales.

4. ¿Por qué esos sonidos son tus favoritos?

Porque son inusuales o pueden ser manipuladas para volverse muy insólitos, o porque me recuerdan de un lugar en particular.

5. ¿Cómo creas una idea inicial para una composición? ¿Utilizas un proceso similar cada vez? ¿O siempre es diferente?

Recientemente me ha dado cuenta de que estoy intentando tener un diferente enfoque con cada composición. Depende de lo que es mi meta para cada composición. Si es una comisión, obviamente tengo que asegurar que las ideas que explora en la composición cumplan con los requisitos, pero a veces decido explorar algo en detalle que no he intentado alguna vez. Por ejemplo, acabo de terminar una obra que explora el gesto, pero también los sonidos en el espacio. Como compositora que le gusta la textura, esto fue un reto, pero al mismo tiempo me ayudó a darme cuenta de cómo puedo desarrollar y utilizar los gestos en mis obras.

6. ¿Cuáles compositores/músicos son los que te inspiran?

Handel
Debussy
Sibelius
Rachmaninov
Mahler
Arvo Part
Jonty Harrison
Pete Stollery
Francis Dhomont
Gilles Gobeil
Francois Bayle
John Young

7. ¿Por qué la música de estos compositores te llama la atención?

Estudié música clásica. Terminé una licenciatura en la Universidad de Aberdeen (en Escocia) donde estudié el piano, viola y percusión antes de descubrir la música electroacústica.

Por eso, los compositores como Debussy, Handel, Part, Mahler y particularmente Sibelius todavía me influyen mucho. La manera en la que construyen el paisaje a través de la instrumentación y cómo transmiten la emoción es increíble, al igual que su música te mantiene involucrado a lo largo de la pieza.

Con respecto a los compositores electroacústicas, las razones varían. Algunos, como Pete Stollery, han terminado a utilizar los sonidos muy abstractos en sus obras y ahora se enfocan en los sonidos de nuestros entornos cotidianos, lo cual le da una nueva vida a sonidos que podrían ser ignorados. Klang de Jonty Harrison fue una de las primeras piezas de música electroacústica que escuché durante la licenciatura, y cuando aprendí a apreciarla, ha seguido influyéndome. Harrison ha compuesto obras que utilizan 70 altavoces al mismo tiempo, lo cual es increíble. Sin embargo; a pesar de las complejidades involucradas, ¡todavía puede realizarlas de manera exitosa!

Francis Dhomont y Francois Bayle son dos de los pioneros claves en el campo y me influyen muchísimo. Los dos tienen la habilidad de presentar un sonido y de repente lo transforman en un mundo sonoro contrastante y cautivador.

La música de Giles Gobeil siempre me ha fascinado porque parece enfocarse en los sonidos mecánicos. Reconozco sonidos similares en sus piezas, pero, nunca me aburro porque su obra es muy gestual y es muy divertida interpretarla.

La música de John Young es hipnótica. Como en la música de muchos compositores, siempre hay ciertos sonidos que te dan pistas sobre quién es el compositor, pero una de las cosas que me fascina es la manera en que Young utiliza el gesto, la altura y el material sonoro. A menudo pienso que estoy escuchando una pieza de música a través de 8 altavoces cuando en realidad sólo hay 2.

8. ¿Podrías escoger una sección corta de una de tus propias piezas y describir cómo la creaste?

Black Velvet (Terciopelo Negro) es una obra mía temprana, la compuse al final de mi licenciatura en la Universidad de Aberdeen. Era una pieza en la que empecé a descubrir mi propia voz y ha sido un punto de partida para obras posteriores.

También me pidieron estrenarla en el sistema de altavoces BEAST en la presencia de compositores como Jonty Harrison, Peter Stollery y Adrian Moore, ¡por lo tanto estoy muy orgullosa de haber hecho eso!

Black Velvet utiliza una lata de Guiness (con un objeto a dentro) como su única fuente de sonido. Una de las cosas que siempre hago es improvisar con mi fuente de sonido durante la etapa de grabación. Entonces grabé el abrir de la lata, el escape del gas, el vertido del líquido, el traqueteo de la lata con un objeto adentro, y el arrugamiento de la lata.

Luego, improviso otra vez con los sonidos en el programa de software Protools, utilizo diferentes procesos y transformaciones hasta crear algunos nuevos sonidos que me gusten mucho.

9. ¿Qué intentabas transmitir al oyente en esa sección?

En Black Velvet, quería crear un mundo sonoro que podrías escuchar en una fábrica grande. Hay un pulso constante al inicio de la obra que podría sonar como una maquina (a lo mejor, una influencia directa de Gobeil). Se crea emoción cuando la tensión aumenta, los sonidos de las maquinas se vuelven más rápidos hasta que no pueden ser detenidos y todo se descompone muy de repente.

10. Si tuvieras que dar algún consejo general a alguien que va a empezar a componer una pieza ¿Cuál sería? ¿Qué es lo más importante de tener en mente cuando alguien está componiendo?

1. Una selección buena de materiales sonoros

Siempre busco objetos sonoros nuevos e interesantes – cosas que tal vez no se escuchan mucho en la música acusmática.

2. ¡Juega!

Personalmente, creo que jugar es una parte muy importante del proceso. Improvisa con tu objeto sonoro – haz cosas que normalmente no harías. A menudo los nuevos sonidos que salen te sorprenderán. Piensa afuera del problema. Graba todas tus improvisaciones. Pienso que esta etapa del proceso es como una cebolla, se pelean capas para revelar nuevos sonidos que se pueden utilizar más tarde.

3. Escucha

Mi siguiente paso es escuchar lo que he acabado a grabar en un cuarto cerrado sin distracciones…la escucha reducida. Edito cosas no deseadas, pero también anoto las propiedades de los sonidos. ¿Son gestuales? ¿De qué me recuerdan? Luego, empiezo a editar los extractos de sonido que quiero utilizar definitivamente. Soy muy exigente. Típicamente, grabo 1 o 2 horas de material, pero al final solo utilizo 5 minutos en la obra final. Sin embargo; nunca tiro nada de forma permanente.

4. ¡Componer!
Improvisa con diferentes programas y plugins, como en especie de minería, pero esta vez con transformaciones. Anota todo – eso es muy crucial. Estratifica diferentes efectos, cambia las configuraciones en tiempo real, haz algo muy loco que normalmente no soñarías de hacer…a veces esto puede producir algunos resultados muy interesantes.

5. SIEMPRE…mantén un diario de composición. No tienes idea de cuando podrías querer revisar la receta del sonido increíble que creaste hace 3 años.

6. Escucha (parte 2) …escucha con alguien más en el estudio y aprende a ser crítico de tu propio trabajo. NO DEJES algo en una pieza si no crees que funciona.

7. La etiqueta del estudio… trabaja de forma limpia… como si cocinaras en tu cocina. Nombra todos tus sonidos y anótalos en tu diario. Esto evita pesadillas más tarde.

8. Si no sabes qué hacer…
a.
NUNCA tires nada, colócalo al un lado y haz algo diferente.
b. Escucha muchas piezas de otros compositores. Te pueden inspirar y enseñar mucho sin hacer que tu música suene como ellos.