Nombre: Adriana Ruiz
Sitio web: adrianaruiz.carrd.co
1. ¿Cómo describirías el tipo de música que haces?
Es una experiencia sonora que cuenta una historia, como una pelicula pero sin imagen. Yo he encontrado toda la inspiración de mis obras en la librería sonora que estaba en mi memoria al haber nacido y crecido en Colombia y quiero compartir esas experiencias con la audiencia.
2. Si tuvieras que utilizar categorías de género para describir tu música, ¿cuál utilizarías?
Como ha llegado a describirla uno de mis compositores favoritos Francis Dhomont, cinema para el oído. En el tiempo que dura una obra uno tiene el reto de guiar la atención del oyente, en mi caso contando una historia a través del sonido, con momentos cercanos a una experiencia de la vida real y otros con diferentes grados de abstracción. El género como tal sería composición de música acusmática.
3. ¿Qué tipo de sonidos te gusta utilizar cuando compones?
Encuentro inspiración en cualquier sonido, desde los rios y la naturaleza de la pequeña ciudad donde crecí Popayán, a los sonidos de instrumentos icónicos de Colombia que tuve la oportunidad de conocer más a fondo en mi vida adulta como el típle y la marimba de chonta. También he usado sonidos mecánicos como por ejemplo los sonidos de las máquinas usadas en el proceso de tostión y preparación de café.
4. ¿Por qué esos sonidos son tus favoritos?
La respuesta corta? o la respuesta larga? voy a decir la larga porque fue un proceso de expandir mi conciencia. No fue un proceso que sucedió por un evento o momento en particular, fue una idea que evolucionó. Cuando estudiaba en la Universidad Javeriana mi pregrado en música con énfasis en ingeniería de sonido, tuve un profesor de teclado llamado Lácides Romero y con él empezamos a hacer escalas con los ritmos tradicionales de música colombiana y me pareció que los ritmos no solamente le añadían un nivel interesante de complejidad, sino que además, hacia que esta tarea del estudio de las escalas que a veces puede resultar muy técnico y monotono, fuera un proceso muy divertido. Fue así como comencé a interesarme más en la música de mi país y encontré en Lácides un gran mentor. El me mostró, con estudios adicionales por fuera del teclado en armonía, ritmo y repertorio, la gran riqueza de nuestra música.
A mi me llevó mucho tiempo encontrar la composición casi a los 22 años y un poco más la
composición de la música acusmática que fue a los 26. Cuando era niña nunca pensé “cuando yo sea grande voy a ser compositora de música acusmática” para ser honesta. Encontré esta práctica cuando estudiaba mi maestría en composición para medios en Bristol, en los estudios un compañero componía esta música, en ese momento estaba componiendo una obra con sonidos de un globo (como los de las fiestas de niños que en Colombia llamamos bombas) grabó sonidos del globo, los transformó en el estudio y honestamene transformar un sonido tan común en toda una obra musical compleja, me pareció increíble.
En ese momento me quedó la inquietud pero no pasó de ahí. Después comencé a investigar porque queria estudiar un doctorado en algo que tuviera que ver con musicas tradicionales colombianas a partir de mi experiencia con mi maestro Lácides pero algo me faltaba. Recordé esa experiencia con mi compañero de maestría y comencé a investigar más acerca de la composición acusmática y me econtré con la música del argentino Horacio Vaggione y fue en ese momento cuando me pregunté “¿Qué pasaría si incorporo estas ideas de la música tradicional colombiana con técnicas de composición de la música acusmatica?”
Cuando comencé a considerar esta posibilidad y empecé a pensar en los sonidos que han hecho parte de mi vida en Colombia me di cuenta que el potencial para explorar era grande y que habían sonidos únicos con los que tuve la fortuna de crecer y hasta ahora había dado por sentado, me di cuenta que eran muy especiales y que no todo el mundo los conocía pero que dicen mucho de mi cultura, nuestro día a día, tienen un gran valor sentimental para mí y he decidido compartir este mundo sonoro de mi país y mi cultura con personas que han sido ajenas a él, aunque para aquellas que han crecido en el mismo mundo sonoro, mis obras son una representación con un grado de abstracción ya que es mi propia interpretación, entonces no deja de ser una experiencia nueva.
5. ¿Cómo creas una idea inicial para una composición? ¿Utilizas un proceso similar cada vez? ¿O siempre es diferente?
Como mencionaba antes los sonidos que uso hacen parte de algun modo de mis experiencias y de sonidos con los que tengo una gran conexión, una historia, con los que crecí y me gustan o me parecen interesantes, ese es mi punto de partida.
Hay procesos similares y otros diferentes. Un ejemplo de los similares es el proceso que realizo cuando trabajo con instrumentos tradicionales. En mi caso particular me gusta trabajar de la mano de las personas que hacen parte de este mundo sonoro por ejemplo si quiero grabar una marimba de chonta, busco a un músico de la región que haya crecido con esta tradicion y busco que a través de esa experiencia pueda entender un poco más no solamente el instrumento en sí, sino también de su contexto y las personas que lo han forjado y busco que un poco de esa alma sonora haga parte de mi composición. Otro ejemplo de procesos similares sería la transformación de los sonidos donde más o menos uso las mismas herramientas de software. Sin embargo los procesos de composición como tal de cada obra, son completamente diferentes. ¿Cómo desarrollo la idea? por ejemplo, la narrativa, ¿Con qué tecnicas organizo los sonidos?, la forma, las dinámicas, los gestos, las texturas, estos siempre son para mi un reto nuevo a enfrentar en cada obra.
6. ¿Cuáles compositores/músicos son los que te inspiran?
Muchos, comenzando por los músicos/compositores de musica tradicional o folclórica de distintos países, hasta las tradiciones de música europea que se ha forjado más en un ambiente academico o de conservatorio y bueno a menudo también escucho, tarareo y bailo mucha música popular. Pero supongo que todos tenemos puntos de referencia aquellos músicos que uno escucha y piensa “quiero ser como ella/él”. En mi doctorado cumplí un sueño que tenía de trabajar con músicos colombianos que admiro mucho por ejemplo el tiplista Oriol Caro, el marimbero y cantautor Absalón Sinisterra entre otros. Compositores de música acusmatica comenzaré por mi profesor David Berezan, Francis Dhomont, Annette Vande Gorne, Beatriz Ferreyra y Javier Álvarez.
7. ¿Por qué la música de estos compositores te llama la atención?
Bueno todos ellos me han enseñado algo diferente, como se puede apreciar en la lista hay mucha diversidad. Absalón y Oriol son de hecho muy diferentes a pesar de ser dos compositores colombianos, no solo por el hecho obvio de ser representantes de géneros, instrumentos y regiones distintas. Con Oriol aprendí mucho sobre el contexto del tiple y como el intrumento ha ido evolucionando desde ser solamente acompañante en ensambles de música tradicional Colombiana de la región andina, a un instrumento solista que ha encontrado su propia voz. Con Absalón aprendí cosas diferentes por ejemplo sobre el contexto cultural en el que se forjan las obras de la música del pacifico, sobre los retos que enfrentan en su comunidad y el rol que juega la música en este contexto, por ejemplo que los bundes (género y ritmo tradicional de la música del pacífico) que cantan en los funerales son tan sagrados y de tanto valor que nunca han sido grabados y cómo la música ha sido el motor de su vida para salir adelante. Mi profesor/tutor de doctorado David Berezan dice que “ de todo lo que ha aprendido sobre música, revelar y descubrir parecen ser los aspectos más escenciales” Esta descripción hace parte fundamental de mi práctica como compositora uno descubre y revela distintos aspectos interesantes al oyente a través de su composición. De Francis Dhomont he aprendido mucho sobre un aspecto muy interesante y único de la música acusmatica que es que el espacio es un parámetro más de composición el tiene muy claro como usar este parámetro para que sus obras sean proyectadas en orquestas de parlantes. De Javier Álvarez y Beatriz Ferreyra he aprendido mucho sobre como incorporar elementos de música instrumental con música acusmática de forma efectiva. De Annette Vande Gorne he aprendido muchas cosas sobre interpretación en orquestas de parlantes, ella es una interprete y compositora muy virtuosa, he aprendido mucho sobre distintas técnicas de composición a través del estudio de su libro más reciente: tratado sobre escritura de música acusmática en medios fijos (Treatise on Writing Acousmatic Music on Fixed Media), lo recomiendo.
8. ¿Podrías escoger una sección corta de una de tus propias piezas y describir cómo la creaste?
Bueno esta sección que he escogido es de una obra que se llama El Piano de la Selva en la que trabajé con Absalón Sinisterra un interprete y luthier de marimba de chonta del Pacífico colombiano. En esta obra me pasó algo curioso y fue que cuando comencé a transformar los sonidos de la marimba en estudio, el mundo sonoro que se fue creando fue muy parecido a sonidos selvaticos y recordé que Absalón en nuestra charla me comentó que a la marimba de chonta se le conoce en la región del Pacífico como El Piano de la Selva y decidí entonces desarrollar mi obra con la temática de un caminante que va por la selva y de repente se encuentra con una marimba de chonta. En ese orden de ideas para mi era clave que el oyente pudiera escuchar claramente el sonido de la marimba. Absalón me regaló una improvisación muy linda que hizo en la grabación para usar en mi obra pero no podía usarla sin un grado de procesamiento porque sonaría un poco fuera de contexto en relación al mundo sonoro de la obra, entonces quería usar una técnica que me permitiera conservar los atributos sonoros del instrumento. Intenté con varios procesadores hacer un efecto de retrazo (delay) pero perdí mucho de las cualidades del sonido original entonces decidí hacerlo manualmente, usando muchos canales y milimétricamente de modo manual hice un efecto de delay que le diera un toque distinto a ese pasaje que había grabado pero conservando toda la riqueza original del sonido de la marimba.
9. ¿Qué intentabas transmitr al oyente en esa sección?
En la primera parte de la obra hay muchos sonidos que simulan una selva entonces es bastante activo y ruidoso, pero cuando llega a esta parte de la marimba quería transmitir un ambiente meditativo, contrastante a ese ruido, un ambiente de tranquilidad para apreciar a esa marimba como si se te hubiera revelado algo, un sonido que nunca antes habías escuchado. De ahí la influencia de mi profesor David Berezan mencionada en el párrafo anterior cuando se habla de “revelar algunos aspectos” en este caso es hacer consciente a mi oyente de que tan hermoso es el sonido de la marimba de chonta del Pacífico colombiano.
10. Si tuvieras que dar algún consejo general a alguien que va a empezar a componer una pieza ¿Cuál sería? ¿Qué es lo más imporante de tener en mente cuando alguien está componiendo?
Que lo hagan y disfruten el proceso, que no tengan miedo de experimentar, de que les suene “mal”. Al principio yo como compositora estába muy abierta a experimentar, uno hace todo con la inocencia de un niño, no existe una expectativa, esa inocencia es algo que a medida que uno aprende y conoce más se va perdiendo y esa ingenuidad en realidad no deberia perderse. Se pierde porque uno muchas veces se identifica demasiado con su obra y cree que el producto de una obra te define hasta como persona y no es así uno no es su obra. En las obras como en la vida a veces hay éxitos y a veces hay fracasos. Lo importante es trabajar duro, experimentar y componer mucho y uno se desarrolla en el proceso, no en una sola obra. Para trabajar siempre con la misma inocencia y ganas, para mí es muy importante mantener viva mi niña interior, siempre ser un novato. Hay que experimentar y aprender a disfrutar el proceso y uno va desarrollandose a través de sus obras, no solo con una obra, entonces es importante aprender que una obra no lo define a uno. Lo importante es hacer, practicar, probar, encontrar lo que a uno le gusta, desarrollar sus propias técnicas y no tener miedo de que la obra no suene como uno esperaba, la próxima será mejor, es parte del proceso.